レオナルド・ダ・ヴィンチによる聖アンナと聖母子

レオナルド・ダ・ヴィンチによる聖アンナと聖母子


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聖アンナと聖母子のテーマは、15世紀のフィレンツェで人気のあるテーマでした。

この漫画は、そのサイズから絵画の準備作業であると広く信じられており、8枚の紙に描かれ、高さは140 cm(55インチ)を超えています。

しかし、ドローイングはキャンバスに転写するために刺されておらず、レオナルド・ダ・ヴィンチによる絵画はその構成に一致していません。ルーヴル美術館に飾られているダヴィンチの絵画「聖アンナと聖母子」は、聖ヨハネを省略しており、より堅固で自然主義的ではない構成になっています。

木炭とチョークで色付きの紙に描かれたこの漫画は、ダヴィンチの複雑な構成とリアリズムの良い例です。目は聖アンの視線を彼女の娘メアリーに向けます。娘メアリーは今度はキリストの子供を愛情を込めて見ます。子供たちは好奇心旺盛で、イエスは母親から身をかがめ、固定されたいとこに祝福を与えるかのように手を上げます。

キリストの無邪気な表現は母親の表現を反映しており、ジョンは祖母のより知識のある表情を思い起こさせます。セントアンの手は、2人の少年の顔の間で、天に向かって上向きになっています。しかし、宗教的な象徴性は、この魅力的な家族の肖像画の親密さに侵入しません。アンとメアリーがプライベートな瞬間を共有しているように見えるので、ジョンとイエスもそうします。

光はメアリーとイエスに落ち着き、彼らが焦点であることを明らかにします。アンとジョンはもっと日陰になっています。繰り返しますが、これはマリアとイエスの間のつながり、そしてアンとジョンの相対的な世俗性と比較した彼らの無実に注意を引きます。

構造はゆるいピラミッドです。女性の顔から男の子への強い対角線があり、女性の膝とセントジョンの肩によって作成された別の線があります。

ロンドンの王立芸術アカデミーの本拠地にちなんでバーリントンハウス漫画としても知られる聖アンナの漫画は、現在ロンドンのナショナルギャラリーに飾られています。 1962年に売りに出されましたが、非常に重要であると考えられていたため、国立芸術コレクション基金は、一般からの寄付とともに、英国でそれを維持するのに十分な資金を調達しました。

1987年に散弾銃で破壊され、甚大な被害をもたらしましたが、その後修理されました。

未完成ですが、この作品は広く傑作と見なされています。顔や胴体は、衣服のひだと同様に美しくレンダリングされています。グループの自然で意味のあるポーズと表現は、ダヴィンチの完成した絵画でも比類のないものです。


レオナルドの&#xa0聖母子と聖アンナと子羊。

レオナルドは、1500年にミラノからフィレンツェに戻ったときに聖アンナの主題を選びました。 スフマート アーティストによって開拓されたスタイルで、現在ロンドンのナショナルギャラリーにある聖アンナと聖ヨハネとの聖母子の以前の絵に基づいています。

聖アンナと子羊の聖母子c。 1508年、木製パネルに油彩、166x112cm、ルーヴル美術館。 (NS)

メアリーとキリストの子の主題は、多くのルネサンス絵画で人気のあるテーマでした。この作品では、レオナルドはメアリーが息子(イエス)に手を差し伸べているところを示しています。息子(イエス)は子羊に手を伸ばしています。

メアリーは、同じ家族内で3世代の三位一体を完成させる娘と孫を見守る母親(セントアン)の膝の上に座っています。構成は、聖母の姿勢、聖アンナの腰の位置、そして絡み合う子供と子羊によって形成された三角形の巧妙な組み合わせに基づいて構築されています。 素晴らしいです!!&#xa0

上記の子供たちの3つのスケッチは、レオナルドが聖母子の絵の反対側にあるキリストの子供のために描いた1枚の絵からのものです。

アカデミアヴェネツィア、赤いチョーク。

聖アンナと聖ヨハネとの聖母子。 NS。 1508茶色の紙に木炭、139x101cm。ナショナルギャラリー、ロンドン(s)

レオナルド(同じ主題の)による漫画は、フィレンツェで展示されたときに非常に好評だったため、美術史家のヴァザーリに次のように書くよう促しました。

&#xa0「老若男女を問わず、2日間、厳粛な祭りに参加するかのように、それが展示されていた部屋に群がりました。」

ヴァザーリがどの漫画を描写していたかについてはいくつかの議論があり、レオナルドによる複数のコピーの可能性について議論が続いています。この議論に関係なく、上の絵とルーヴル美術館の絵画の両方は、芸術家の技能と職人技の良い例として残っています。


フロイトは、彼の絵画「聖母と聖アンナの子供」を通してダヴィンチの潜在意識を分析しました

レオナルドダヴィンチが彼の絵に隠されたメッセージやシンボルで遊んだのはニュースでも謎でもありません。芸術の歴史家やその他の専門家によると、最後の晩餐や岩窟の聖母など、ダヴィンチの最も有名な絵画のいくつかは、芸術家の宗教に対する個々の見解を明らかにしています。

マーティン・ラン(著者 ダヴィンチコードデコード)、モナリザの絵で、ダヴィンチは宝石の欠如と彼の主題のリラックスした姿勢に関して「当時の慣習」を破りました。シグムントフロイトは彼らの潜在意識を精神分析するためにさまざまな芸術家の作品を観察しました。ダヴィンチの聖アンナと聖母子は、彼の抑圧された同性愛の欲求を明らかにしました。

精神分析の創始者、ジークムント・フロイト。

フロイトは、絵画を調べ、アーティストが意識的または無意識に描いたさまざまなシンボルを見つける方法を使用しました。

いずれにせよ、彼は後にさまざまな古代文化に見られる詳細に基づいてそれらのシンボルに意味を追加し、それらを個人の潜在意識の表現として分析しました。

レオナルド・ダ・ヴィンチ&#8211聖アンナと聖母子

ダヴィンチは1503年頃に聖アンナと聖母子を描いたが、今日ではパリのルーブル美術館で見ることができる。

それは、聖母マリアが母親の聖アンナの膝の上に静かに座っている間、聖母マリアの腕の中で守られている赤ん坊のイエスを描いています。

レオナルドダヴィンチの肖像画。

聖母マリアは、イエスが子羊をかわいがっている間、彼の腰を持って子供に手を伸ばしています。フロイトの理論をより相対的なものにするためには、歴史画の聖書の人物がランダムに描かれることは決してないことを考慮に入れる必要があります。

聖アンナと聖母子、ルーブル、パリ、フランス。 Sailkoによる写真
CC BY 3.0

彼らの立場は常に登場人物の生活やさまざまなキリスト教の比喩をほのめかしています。たとえば、絵の中の子羊は、無実とイエスの人類への犠牲の象徴として簡単に解釈できます。子羊自体は犠牲の象徴であり、バプテスマのヨハネはイエスを「神の子羊」と呼びました。

フロイトによって特定された&#8220vulture&#8221

一方、聖母マリアが聖アンの膝の上に描かれるのは少し珍しいことです。フロイトはそれを精神分析検査にとって非常に興味深いものと見なし、「レオナルド・ダ・ヴィンチと彼の子供時代の記憶」と名付けました。

関連ビデオ:魅力的なダヴィンチデザインの展示

フロイトによれば、絵を横向きにすると、メアリーの衣服の形は鳥、おそらくハゲタカを表しています。彼はハゲタカのイメージを母親の象徴として解釈し、古代エジプトの「母親」という用語がハゲタカのシンボルで描かれているという事実に彼の理論を根付かせています。したがって、彼はそれを、母親の胸で授乳したという彼のかすかな記憶によって引き起こされた、ダヴィンチの抑圧された同性愛欲求として分析しました。

詳細&#8211子羊のいるキリスト

フロイトはまた、コーデックスアトランティカスとして知られるダヴィンチの一連の著作や絵を検討しました。この作品では、アーティストがベビーベッドでハゲタカを襲った幼児期の記憶について書いています。したがって、フロイトは、ハゲタカの尻尾と赤ちゃんの口のイラストを、適切な年齢を過ぎた可能性のある強力な母乳育児と見なしています。

レオナルドダヴィンチの有名な絵画「聖アンナと聖母子」の複製。写真提供:Fr.Latreille CC BY-SA 3.0

聖アンナと聖母子の潜在意識のダヴィンチの表現に関するフロイトの観察のもう1つは、2人の女性(2人は母親の役割を果たしている)のイラストでは、ダヴィンチが自分の2人を表現したことです。母親の。実際、アーティストは最初に生物学的な母親によって育てられ、後に父親の妻によって養子縁組されました。

精神分析医は、彼のエッセイ「レオナルドダヴィンチと彼の子供時代の記憶」を彼がこれまでに書いた最高の作品の1つと見なしました。しかし、何年にもわたって、フロイトの理論は疑問視され、多くの科学者によって極端なものとして反対されてきました。彼はいつも隠された、または抑圧されたセクシュアリティを見る傾向がありました。そして、彼の作品は確かに素晴らしいものですが、ダヴィンチの潜在意識の証拠とは言えません。


未完成の完璧さ

未完成で完璧なものと呼べますか?物事が文学(スペンサーの「妖精の女王」)であるか、音楽でさえ(シューベルトの「未完の」交響曲)であるかどうかを言うのは難しいことではありません。絵を描くことで、質問に答えるのは難しくなります。未完成の完成度の候補を少なくとも1つ提案させてください。

傑作や目を見張るような訪問者で溢れかえっている美術館は、写真を見たい人に挑戦することができます。しかし、忍耐は美徳です。ルーブル美術館を利用してください。防弾ガラスと長いロープの後ろにモナリザがぶら下がっています。カメラを持っている観光客の群衆の中をよく見ることは不可能です。彼らは急いで通り抜け、写真を撮ってそこにいたことを証明し、そして去ります。

レオナルド・ダ・ヴィンチ(1452-1519)は有名な遅い画家であり、完成した作品はあまり残っていません。しかし、モナリザが祀られている部屋を出ると、まだ混雑しているが閉所恐怖症が少なく、他に5枚のレオナルドの写真があるグランデガレリーにいることに気付くでしょう。観光客は少し立ち止まりますが、これらのいずれかに近づき、(比較的)孤独を楽しむことができます。最初のものはおそらくレオナルドのワークショップからのものであり、完全にマスター自身の手ではありません:洗礼者聖ヨハネ、またはおそらくバッカス、その上げられた指はキリスト教のシンボルですが、その胸腺、ブドウの葉、ヒョウの皮は明らかに異教です。次はエレガントな女性「ラ・ベル・フェロニエール」です。それから、その神秘的な設定とそのキアロスクーロ照明で有名な「岩窟の聖母」。次に、上向きの指を持つ別の両性具有のセントジョン。

その後、傑作「聖アンナと聖母子」はおそらく1500年に始まりました。レオナルドはミラノとフィレンツェの両方でこれに取り組み、死ぬまで(モナリザと同じように)彼と一緒に保管しました。未完成ですが、デザイン、フォルム、色、そして人間のドラマの面で、まだ完全な美的体験を提供しています。 (その対策を講じるために、ロンドンのナショナルギャラリーでの予備調査「聖アンナと聖ヨハネとの聖母子」を見ることができます。)

ヴァージニア・ウルフの義理の兄弟であるクライヴ・ベルは、1914年に「重要な形」というフレーズを作り出し、別のブルームズベリーの住人であるロジャー・フライとともに、形自体が感情を伝え、生み出すことができるという考えを広めました。レオナルドの絵、特にその人間の幾何学は、そのような伝達を崇高に例示しています。レオナルドはマサッチオ(1401-1428)から、遠近法の原則を通して平らな人物に彫刻の塊を与える方法を学びました。しかし、初期のマスターのテクニックに、彼は私たちの目にはっきりと、現実的に現代的に見えるヒューマニズムを追加しました。


主題

ロンドンの英国博物館での準備図

漫画の主題は、15世紀のフィレンツェ絵画で人気のある2つのテーマの組み合わせです。 バプテスマのヨハネとの聖母子聖アンナと聖母子.

この素描はその複雑な構図で注目に値し、ベノアの聖母のレオナルドの絵画で最初に明らかになった人物の配置の交代を示しています。 2人の女性の膝は異なる方向を向いており、メアリーの膝は絵から左に曲がり、彼女の体は鋭く右に曲がり、曲がりくねった動きを生み出しています。人物の膝と足は、しっかりと植えられた足、広く広がった膝、そして広く広がった囲いの衣服からなるしっかりした土台が通常見られる構成のポイントで、強い上下のリズムを確立します。下半身が背を向ける一方で、2人の女性の顔はお互いの特徴を反映してお互いに向きを変えます。上半身の間の描写は明確さを失い、頭が同じ体の一部であることを示唆しています。

聖母のねじれの動きは、母親によってほぼ水平に保持された体が軸方向に回転し、下半身が上向きになり、上半身が下向きになるキリストの子供に反映されます。この回転姿勢は、レオナルドの絵画で最初に示されています 東方三博士の礼拝 そして、多くの絵、特に大英博物館にある猫との聖母子のさまざまな研究で探求されています。

2組の頭の並置は重要な構成要素です。キリストの子の角度、照明、視線は母親のそれを再現し、洗礼者ヨハネは聖アンナに直面してこれらの同じ要素を再現します。照明は、視聴者が目撃しているシーンに2人の主人公と2人のサポートキャストがいることを示しています。 4人の人物の視線の間には微妙な相互作用があります。セントアンは娘のメアリーに愛情を込めて微笑んでおり、おそらく母親のプライドだけでなく、「すべての世代が呼ぶだろう。祝福された」人による崇拝も示している。[2]メアリーの目は、30年後にイエスにバプテスマを施すという彼の任命された任務を遂行するいとこに祝祷のジェスチャーで手を上げるキリストの子供に固定されています。バプテスマのヨハネは、2人の子供のうち年長の子供ですが、いとこのことを後で「サンダルを脱ぐことすらできない」と言う人として、謙虚に祝福を受け入れます。 [3]聖アンの手、天国を指す人差し指は、おそらく祝福の元の源を示すために、子供たちの頭の近くに配置されています。この謎めいたジェスチャーは、典型的にはレオナルド派と見なされ、 最後の晩餐バプテスマの聖ヨハネ.

この種の漫画は通常、輪郭を刺したり切り込んだりして絵を描くためにボードに移されました。の 聖アンナと聖ヨハネとバプテストの聖母子 これは行われておらず、ドローイングはそれ自体が芸術作品として保管されていることを示唆しています。 [4]レオナルドは、この絵に直接基づいた絵を描いたようには見えません。構成は、レオナルドの他の唯一の生き残った主題の治療とは異なります、 聖アンナと聖母子 バプテストの姿が存在しないルーヴル美術館で。この漫画を基にした絵画は、レオナルドの弟子であるベルナルディーノルイーニによって作成され、現在はミラノのアンブロジアーナ図書館にあります。 [5]フランチェスコ・メルツィの絵の中のポモナの姿 ポモナとヴェルトゥムヌス ベルリンでは、漫画の聖母に基づいています。


セントアン

外典のキリスト教の伝統によると、聖アンナはマリアの母であり、イエスの祖母でした。メアリーの母親は福音書に名前がありません。

アンの名前は新約聖書の外典福音書に由来します。その中で、おそらく150年頃に書かれたジェームズの福音書が最も早い言及のようです。

新約聖書の外典福音書は、イエスと彼の教え、神の性質、または彼の使徒たちと彼らの生活の指示を説明する初期のクリスチャンによる著作です。

これらの著作のいくつかは初期のキリスト教徒によって聖書として引用されていましたが、5世紀以降、コンセンサスが生まれ、新約聖書は現代のカノンの27冊に限定されました。

ローマカトリック教会、東方正教会、プロテスタント教会は一般に、これらの新約聖書の外典福音書を聖書の一部とは見なしていません。

アン(アラビア語:Ḥannah)はイスラム教でも尊敬されており、非常に精神的な女性として、そしてマリアの母として認められています。


「牧場の聖母」と「聖アンナと聖母子」の分析

画像は、より広い視野で社会に受け入れられるようになりました。それらの使用法は、数十年前と比較して、近年より一般的になっています。社会に受け入れられてきたさまざまな技術が、この実現に大きな役割を果たしてきました。画像の深遠な使用は、今後数年間で範囲が拡大し続けることが期待されています。

画像は社会の中でさまざまな役割や機能を果たしがちです。一部の役割は、他の役割と比較して複雑になる傾向があります。いくつかは、イベントを描写したり、知識を伝えたり、とりわけ歴史の一部を紹介したりするために使用される可能性があります(Gombrich、2009年)。歴史的な側面に関しては、画像は特定のものがどのように見えたかの記憶を保存するのに役立ちます。現在の世代の人々はそれらの期間には存在しませんでしたが、特定の歴史で自分自身を識別することができます。彼らは、これらのものについて提示された画像のために、特定の著名な個人、構造、帝国がどのように見えたかを知る能力を持っています。それは人々を血統の一部のように感じさせ、結果として彼らはそれを保存することに向けて努力するでしょう。何か共通点があると、社会を好ましい場所にする前向きな絆を築くのに役立ちます(Mukundan&Ramakrishnan、1998)。知識に関しては、画像は通常、情報を渡す方法として使用されます。特定の画像を観察することで、人々はいくつかのことを推測することができます。言葉ではなく、イメージを表現することで、あることを理解しやすくなることもあります。これは、関連するコンテンツの視覚的表現によるものです。

ほとんどの場合、イメージの役割と機能は、イメージが構築されたコンテキストによって決定されます。歴史の文脈で開発されたイメージは、ビジネスや科学の文脈で開発されたものとは異なる役割を演じることになります。

上の画像は、ラファエルの「牧場の聖母」を表しています。この画像は、何人かの著者によって議論され、分析されています。著者は、いくつかの側面で同様の説明をする傾向がありますが、他の側面では異なる見解を持っている傾向があります。何人かの著者の間で同様の解釈をしているように見える説明の中には、メアリー、ジョン、およびイエスを想定した画像上の三角形の提示があります。 Honor&amp Fleming(2005)は、ピラミッドの形成は何か強いものを表したものであると主張しています。それは壊れにくい絆に似ており、その目的を果たさなければなりません。一方、Brown&amp Pagden(2006)は、三角形の配置を秩序と安定性の表現として説明しています。それは、関係する個人が根付いており、彼らの望ましい目的を実現する準備ができていることを示しています。 Honor&amp Fleming(2005)、Brown&amp Pagden(2006)、Mukundan&amp Ramakrishnan(1998)も、来るべきことの指標として十字架の存在を分析しています。それは、ヨハネがイエスを祝福し、彼を待っている未来に備える方法です。 Honor&amp Fleming(2005)は、メアリーが裸足であるという側面は、彼女が聖地を踏んでいることを示していると仮定しています。彼は続けて、メアリーの左側にある3つの赤い花が蔓延しており、絵の中の人々とつながっていると主張しています。彼はそれらが聖なる三位一体を表していると主張します。一方、Mukundan&Ramakrishnan(1998)は、いくつかの対照的な分析を行っているようです。彼は、三角形の幾何学の中のメアリー、ジョン、そしてイエスのイメージが聖なる三位一体の表現であると仮定しています。メアリーの服はキリスト教の象徴としても機能します。青は天国を表し、赤はイエスの死を表します(Brown&amp Pagden、2006)。彼女は、永遠までクリスチャンの幸福を回復するためにイエスが引き受けようとしている犠牲の結果として実現されるであろう贖いを飲み込みます。 Mukundan&Ramakrishnan(1998)はまた、都市の背景を緊張の本質として説明し、イエスとジョンを待っている可能性のある危険を視聴者に思い出させます。

この画像は1506年頃に開発されました。現在の期間の画像のコンテキストは、制作期間中にどのように認識されていたかに違いはありません。これは、それがキリスト教の象徴として機能したためです。それは、地上でのイエスの出現と、彼の死と復活を通してクリスチャンを救うという彼の使命を示す方法でした。この出来事で重要な役割を果たした2人が画像に表されています。これは、この画像が世界中のクリスチャンによって見られるのと同じ方法です。しかし、これら2つの時代の間には、芸術の文脈を取り巻く違いがあります。この画像は、ヨーロッパの芸術のルネッサンスの間に制作されました。当時の移行により、このイメージは他に類を見ないものとして際立っていました。それを見た人々の目には計り知れない魅力がありました。しかし、今期は状況が大きく異なります。テクノロジーの出現により、人々は他の息を呑むような画像を見ることができるようになり、これはあまり印象的ではないように見えます。このような状況下では、人々はそれがどれほど素晴らしいかを理解するために画像が開発された時期を忘れがちです。

上の画像は、レオナルド・ダ・ヴィンチによる「聖アンナと聖母子」を表したものです。ルネッサンス期に開発されたため、さまざまな人から意見を集めています。さまざまな著者が、さまざまな視点に基づいて画像について話し合い、分析してきました。さまざまな作者に共通する説明の1つは、画像上の三角形の表現です。 Surhone(2010)は、三角形が使用されていることは、関係する3人のキャラクターの間に存在する家族の絆を表していると主張しています。メアリーは、インターンが息子のイエスをつかむことを目的とした母親に抱かれています。 Pye(2015)は、この分析を聖なる三位一体の指標として拡張しています。これは、3人のキャラクターが互いに関係していて、その間に非常に強い絆(家族)があるためです。どんな出来事があっても、血縁のために彼らはまだ家族のままです。画像の家族的な側面も、画像に描かれている愛情と優しさの表示を通して詳しく説明されています(Pye、2015年)。聖アンナは、母親の愛の歓喜に飲み込まれたメアリーと比較して、より冷静な態度を示しています。 Mukundan&Ramakrishnan(1998)も、このイメージをキリスト教の象徴として説明しています。それは2つのカトリックのカトリックのテーマを組み合わせています。その中には、子供、母親、祖母が一緒に現れることによって示される世代の出会いがあります。もう1つは、情熱と犠牲の概念によって表されます。これらの側面は、イエスが抱いている子羊のためにイエスに帰せられます。子羊は無実の側面を表しています。この側面は、バプテスマのヨハネがイエスを「神の子羊」と呼んだときに記念されています。 Surhone(2010)は、この画像が3つの絵画技法を例示していることを繰り返し述べています。それらには、空気遠近法、キアロスクーロ、スフマートが含まれます。空気遠近法は、色とトーンのコントラストによって距離を示すことによって示されます。キアロスクーロは、モデリングとレリーフ効果を作成するために暗闇と光を使用することによって示されます。一方、スフマートは、明るいグラデーションと暗いグラデーションを使用して形状を定義するのに役立ちます。 Mukundan&Ramakrishnan(1998)、Surhone(2010)、Pye(2015)は、同様の方法でアンの膝の上に座っているメアリーの側面を説明しています。彼らはそれを珍しい側面として見ています。レオナルドが何を示したかったのかは明らかではありません。

画像のコンテキストは、それが開発されたときと現在の期間で異なると見なすことはできません。制作期間中に人々が画像をどのように解釈したかは、一定のままである傾向があります。これは、開発の目的が変わっていないためです。それはまだ同様の側面を描いています。変わったのは、イメージをめぐる批判かもしれません。この画像はルネッサンス期に開発されました。これがアート界の復活でした。これが意味することは、人々は過去にそのような側面を見たことがなかったので、画像が壮観であると見なしたということです。比較する画像が多数存在しないため、この属性は批判の行為を制限します。このケースは、現在の期間では異なります。これらの画像を開発するために使用されているさまざまな種類の画像や技術が出現しています。結果として、このイメージに対する多くの批判が今の時代に存在するでしょう。

「牧場の聖母」と「聖アンナと聖母子」の両方の画像には、いくつかの類似した属性があります。これらの属性は、画像が何であるかを含む理論に関して画像を議論するときに役立ちます。そもそも、画像は人の外部表現と呼ぶことができます(Gombrich、2009)。この側面は、描かれているオブジェクトがある両方の画像で明らかです。画像のユーザーは、表示されているオブジェクトを観察することで、画像に関するより多くの情報を取得する傾向があります。画像は、比喩または直喩としても機能することが期待されています(Gombrich、2009年)。上記の画像は、キリスト教の象徴として機能することにより、この側面を実現しています。さまざまな著者がこの側面について広く議論しています。画像はまた、さまざまな技術の使用を示しています。これは、関係するアーティストが何を作成しようとしていたかをユーザーが把握できるように、どの画像にも期待されます。上の画像に含まれるテクニックには、空気遠近法、キアロスクーロ、スフマートなどがあります。テクニックは、とりわけトーンと色を示すのに役立ちます。

ムクンダン、R。、&ampラマクリシュナン、K.、1998年。画像分析におけるモーメント関数:理論と応用。シンガポール:世界科学。

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ブラウン、D。、&amp Pagden、S.、2006年。ベリーニ、ジョルジョーネ、ティツィアーノ、そしてベネチア絵画のルネッサンス。ワシントン:ナショナルギャラリーオブアート。

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Pye、C.、2015年。 海の嵐:シェイクスピア時代の政治的美学。ニューヨーク:9780823265046。

Surhone、L.、2010年。 聖アンナと聖母子(レオナルドダヴィンチ):アンセルブドリット、油絵、レオナルドダヴィンチ、聖アンナ、メアリー、子供イエス、サンティッシマアヌンツィアータフィレンツェ。 Gran Bretagna:Betascriptの公開。


聖アンナと聖母子

上の画像は、レオナルド・ダ・ヴィンチによる「聖アンナと聖母子」を表したものです。ルネッサンス期に開発されたため、さまざまな人から意見を集めています。さまざまな著者が、さまざまな視点に基づいて画像について話し合い、分析してきました。さまざまな作者に共通する説明の1つは、画像上の三角形の表現です。 Surhone(2010)は、三角形が使用されていることは、関係する3人のキャラクターの間に存在する家族の絆を表していると主張しています。メアリーは、インターンが息子のイエスをつかむことを目的とした母親に抱かれています。 Pye(2015)は、この分析を聖なる三位一体の指標として拡張しています。これは、3人のキャラクターが互いに関係していて、その間に非常に強い絆(家族)があるためです。どんな出来事があっても、血縁のために彼らはまだ家族のままです。画像の家族的な側面も、画像に描かれている愛情と優しさの表示を通して詳しく説明されています(Pye、2015年)。聖アンナは、母親の愛の歓喜に飲み込まれたメアリーと比較して、より冷静な態度を示しています。 Mukundan&Ramakrishnan(1998)も、このイメージをキリスト教の象徴として説明しています。それは2つのカトリックのカトリックのテーマを組み合わせています。その中には、子供、母親、祖母が一緒に現れることによって示される世代の出会いがあります。もう1つは、情熱と犠牲の概念によって表されます。これらの側面は、イエスが抱いている子羊のためにイエスに帰せられます。子羊は無実の側面を表しています。この側面は、バプテスマのヨハネがイエスを「神の子羊」と呼んだときに記念されています。 Surhone(2010)は、この画像が3つの絵画技法を例示していることを繰り返し述べています。それらには、空気遠近法、キアロスクーロ、スフマートが含まれます。空気遠近法は、色とトーンのコントラストによって距離を示すことによって示されます。キアロスクーロは、モデリングとレリーフ効果を作成するために暗闇と光を使用することによって示されます。一方、スフマートは、明るいグラデーションと暗いグラデーションを使用して形状を定義するのに役立ちます。 Mukundan&Ramakrishnan(1998)、Surhone(2010)、Pye(2015)は、同様の方法でアンの膝の上に座っているメアリーの側面を説明しています。彼らはそれを珍しい側面として見ています。レオナルドが何を示したかったのかは明らかではありません。

画像のコンテキストは、それが開発されたときと現在の期間で異なると見なすことはできません。制作期間中に人々が画像をどのように解釈したかは、一定のままである傾向があります。これは、開発の目的が変わっていないためです。それはまだ同様の側面を描いています。変わったのは、イメージをめぐる批判かもしれません。この画像はルネッサンス期に開発されました。これがアート界の復活でした。これが意味することは、人々は過去にそのような側面を見たことがなかったので、画像が壮観であると見なしたということです。比較する画像が多数存在しないため、この属性は批判の行為を制限します。このケースは、現在の期間では異なります。これらの画像を開発するために使用されているさまざまな種類の画像や技術が出現しています。結果として、このイメージに対する多くの批判が今の時代に存在するでしょう。

「聖アンナと聖母子」と「牧場の聖母」の両方の画像には、いくつかの類似した属性があります。これらの属性は、画像が何であるかを含む理論に関して画像を議論するときに役立ちます。そもそも、画像は人の外部表現と呼ぶことができます(Gombrich、2009)。この側面は、描かれているオブジェクトがある両方の画像で明らかです。画像のユーザーは、表示されているオブジェクトを観察することで、画像に関するより多くの情報を取得する傾向があります。画像は、比喩または直喩としても機能することが期待されています(Gombrich、2009年)。上記の画像は、キリスト教の象徴として機能することにより、この側面を実現しています。さまざまな著者がこの側面について広く議論しています。画像はまた、さまざまな技術の使用を示しています。これは、関係するアーティストが何を作成しようとしていたかをユーザーが把握できるように、どの画像にも期待されます。上の画像に含まれるテクニックには、空気遠近法、キアロスクーロ、スフマートなどがあります。テクニックは、とりわけトーンと色を示すのに役立ちます。

Surhone、L.、2010年。 聖アンナと聖母子(レオナルドダヴィンチ):アンセルブドリット、油絵、レオナルドダヴィンチ、聖アンナ、メアリー、子供イエス、サンティッシマアヌンツィアータフィレンツェ。 Gran Bretagna:Betascriptの公開。

Pye、C.、2015年。 海の嵐:シェイクスピア時代の政治的美学。ニューヨーク:9780823265046。


ルーヴル版

The Virgin of the Rocks which usually hangs in the Louvre is considered by most art historians to be the earlier of the two and date from around 1483-1486. Most authorities agree that the work is entirely by Leonardo. It is about 8 cm (3 in) taller than the London version. The first certain record of this picture is in 1625, when it was in the French royal collection. It is generally accepted that this painting was produced to fulfill a commission of 1483 in Milan. It is hypothesized that this painting was privately sold by Leonardo and that the London version was painted at a later date to fill the commission. There are a number of other theories to explain the existence of two paintings. This painting is regarded as a perfect example of Leonardo's "sfumato" technique.


A daily email with the best of our journalism

BY THE time Leonardo da Vinci died in 1519, he had been working on his painting of St Anne for 20 years and still was not quite finished with it. Nevertheless "The Virgin and Child with Saint Anne" consistently attracted the interest of other artists. The subject of St Anne, the Virgin Mary and the infant Jesus was far from new. But its treatment had been static, like an icon. Leonardo's portrait of grandmother, mother and child was full of movement and emotion. It is now one of the most cherished masterpieces in Western art.

A monumental Anne sits with her adult daughter perched on her lap. Mary reaches out trying to keep a grip on Jesus who is half-straddling a lamb. One can talk about the painting's technical virtuosity, the forcefulness of its triangular composition, the way the dreamy jagged background contrasts with the scrubbland on which the figures rest. These elements all contribute to the work's greatness. But what has made viewers take it to their hearts is Leonardo's evocation of a subject that is at once universal and not of this earthly world—the love and tension between generations and also between humanity and the divine.

Not everyone has been a mother, but each of us was once a child. The viewer, therefore, has an intuitive connection with the people in the painting. We see a benign, even indulgent grandmother giving physical support to her daughter. Emotionally, however, she ignores Mary and gazes at her adorable and adored grandson. Mary has the disturbed expression of a mother worried over her wilful little boy. The infant looks back to his mother, as if to reassure her, but he will not abandon the lamb. It is as if Anne accepts what Mary has not yet been able to, that Jesus is the sacrificial lamb, the Lamb of God.

One need not be Christian to be moved by this work. So many have been unnerved by the Louvre's announcement that “Saint Anne” was going to be cleaned and restored. Would this beloved, magical work be damaged or even destroyed in the name of “improving” it?

The cleaning and restoring of “Saint Anne” got underway in 2010, overseen by an international scientific committee of 20 specialists. It was completed early this year, and the Louvre has duly mounted a celebratory show. The first half of the exhibition features archival material, including Leonardo's notebooks, sketches and preparatory drawings—among them 22 loans from the Royal Collection in Windsor—which convey his thoughts about the composition. Then comes “Saint Anne”, joined by the large and beautiful “Burlington House Cartoon”. For the first time London's National Gallery has lent this 141.4 by 104.6 cm (55”x41.2”) preparatory drawing clearly it would not be Leonardo's last as it has the young John the Baptist in place of the lamb. Three additional paintings by Leonardo are also on view (but the Mona Lisa remains upstairs where as usual she draws crowds to the Italian painting galleries).

The second half of the Louvre show considers the influence Leonardo's “Saint Anne” has had on other artists, from those who worked in his studio to Michelangelo to Odilon Redon. Wonderful as some of these works are, after seeing Leonardo's versions in paint and charcoal, what follows feels like a tailing off.

This is an exciting, illuminating exhibition. It is also one with a rocky history. At the end of last year two highly esteemed members of the scientific committee overseeing the restoration of “St Anne” resigned. Jean-Pierre Cuzin, previously the Louvre's director of paintings, and Ségolène Bergeon Langle, its former director of conservation, did not make public their reasons. However, it is widely believed that they felt the cleaning had gone too far. It would not be the first time. To this viewer “Saint Anne” looks marvellous. The Virgin's voluminous wrap seems spun out of lapis lazuli and summer clouds. Come to your own conclusions. If you cannot see the show, do not fret. After it closes “Saint Anne” will be back on permanent view upstairs.