日本のギルトブロンズクラウン

日本のギルトブロンズクラウン


日本のギルトブロンズクラウン-歴史

BUSSHI仏師OFJAPAN = SCULPTORS OF JAPAN
日本の仏像を作ったのは誰ですか?
彫刻家、学校、ワークショップ
日本の仏教の彫像で
飛鳥時代、鞍作止利、鳥羽学園

キーワード
蔵造り-べ作作部
鞍作止利鞍作止利
司馬達等司馬達等
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鞍作止利仏師
鞍作止利派
鞍作止利派
鞍作止利式
鞍作止利

  • 鞍作止利 鞍作止利、当時の有名なブロンズ彫刻家。仏師は仏教の彫刻家の用語です。用語集を参照してください。
  • とりは 鞍作止利(鳥学校)の作品は、鞍作止利または彼の弟子に帰属します。
  • 鞍作止利の鳥 鞍作止利。鞍作止利の別名は、当時日本に住んでいた中国の職人グループの長であり、加美鞍作作部と呼ばれていました。ほとんどの資料によると、鳥は中国人移民の孫であり、司馬達等(芝達等とも呼ばれます)の孫であり、その氏族はもともと馬の鞍を作りました。この芸術には金属鋳造やその他の工芸品の知識が必要です。他の情報筋によると、トリは韓国から歓迎されたという。
  • トリヨシキ 止利様式(Yōshiki、Youshiki)。鳥しき止利式とも書かれています。この言葉は文字通り「鳥しき」を意味します。鞍作止利は飛鳥時代初期の日本の芸術を象徴するようになり、彼の手または弟子によって作られた彫像は鳥しきまたは鳥しきと呼ばれています。芸術学者たちは、鳥風の彫刻が、朝鮮半島で内戦を逃れた朝鮮人によって大部分が日本に伝わった中国の北魏と東魏の仏教美術(4世紀後半から6世紀)の影響を受けたことに同意します。飛鳥時代の彫刻の主な文体要素には、顕著な正面性(画像の側面や背面を気にしない)、上向きの三日月形の唇、アーモンド形の目、ローブの対称的に配置された折り目などがあります。鳥のスタイルは、韓国の百済(Jp。= Kudara百済)と新羅(Jp。= ShinraまたはShiragi新羅)王国からの移民とともに日本に入ったこれらの芸術的要素に強く影響されました。それにもかかわらず、トリの作品は、ストックポーズ、幾何学的な剛性、そしてこの時代を特徴付けるやや細長い顔と体の特徴にもかかわらず、柔らかさと内面の平和の両方を伝えます。
  • 韓国の影響に関する注記。 6世紀から7世紀にかけて、新羅(Jp。=白木新羅)、百済/ペクチェ(Jp。=クダラ百給)、コグリョ/ゴグリョ(Jp。=朝鮮高句麗)。これらの移民は多くの仏教の画像やテキストをもたらし、仏教の学者、教師、彫刻家、職人、建築家として主要な役割を果たしました。たとえば、日本で最も初期の寺院の構造の多くは、韓国の職人によって作られました。韓国の影響の詳細については、ここをクリックしてください。

鳥学校の現存する仕事

  • 韓国の影響。当時の鳥風のイメージを除いて、他の重要な作品は、奈良の法隆寺法隆寺の一部であった中宮寺の中宮寺にある「菩薩菩薩半跏像」(菩薩半跏像)です。特に弥勒菩薩の彫像は飛鳥時代に広まり、韓国の模型から複製されたものが多かった。韓国の影響の詳細については、飛鳥時代のアートフォトツアーページを参照してください。


弥勒菩薩-同じ像の2つのビュー
7世紀AD、木、高さ87 cm
奈良の中宮寺中宮寺(中宮寺)

    百済観音百済観音。ほとんどの学者は、この有名な彫像が韓国から来たか、日本に住む韓国の職人によって作られたと信じています。百済観音という像の名前は、文字通り「百済観音」を意味します。百済は、この時期の韓国の三国の1つであり、観音はアジアで最も愛されている仏教の神の1つです。彫像の極度の薄さは一見奇妙に思えますが、顔の静けさと王冠の美しい透かし彫りのブロンズは素晴らしいです。花瓶は観音の思いやりの「ネクター」を象徴し、観音に助けを求める人々の渇きを和らげます。彫像が韓国から来た(または日本の韓国の職人によって作られた)という多くの兆候があります。作品の優れた技量に加えて、多くの文体のニュアンス(ほのかな笑顔、ほっそりした顔、薄い体、衣服のひだ、ハロー)はすべて百済の職人の特徴であり、一般的に韓国の三国時代の芸術作品に準拠しています。本の中で 日本文化への韓国の影響 (韓国:Hollym International Corp.、1984)、著者のJon CarterCovellとAlanCovellは、百済の影響の最も重要な手がかりは、百済の墓で発見された遺物の中に見られる王冠のスイカズラ-蓮のパターンであると言います。 39代ムニョン王(在位+ 501-523)。ブドウの木のコイルと王冠の花びらからの突起の数は、同様の現存する韓国の作品とほぼ同じであると彼らは言います。

    飛鳥時代の大工
    以下のテキスト提供:TIME MAGAZINE、2004年2月16日
    大阪の天王寺地区にある202の仏教聖域の中で、目立つのは四天王寺(四天王寺)です。これは、王室(聖徳太子)から委託された最初の日本寺院であり、日本で最も古い仏教寺院の1つです。建設は、宗教が国の海岸に到達してからわずか数十年後の+ 593年に始まりました。四天王寺の大工の一人、 金剛茂光、プロジェクトのために韓国の百済王国(Jp。= Kudara百済)から日本に旅行しました。四天王寺は、千年半以上にわたって台風に倒れ、雷と内戦によって焼失しました。重光の子孫は、7つの再建を監督しました。現在、金剛組は、寺院を見下ろすオフィスで働いており、日本で会社を率いる40番目の金剛である54歳の金剛組社長によって運営されています。 1、410年以上前に始まった彼の事業は、世界で最も古い家族経営の企業であると信じられています。 &タイム誌からの引用&gt

  • JAANUS。日本の建築とアートネットユーザーシステム。日本の美術史を専門とするオンラインデータベース。故メアリーネイバーペアレント博士によって編集され、仏教と神道の両方の神を非常に詳細にカバーし、8,000以上のエントリが含まれています。
  • ガビ・グレーブ博士。日本の仏師の彼女のページを参照してください。ガビさんは江戸時代から近代までの研究と執筆のほとんどを行いました。彼女は定期的なサイト寄稿者であり、俳句からだるままでのトピックに関する多くの有益なWebサイトを維持しています。ガビさん、ありがとうございました。
    平凡社、鎌倉時代の彫刻。 森久司著、平本社日本美術調査より。平本社(東京)とジョン・ウェザーヒル・インクが共同で出版したこの本は、運慶、湛慶、康慶、快慶など、鎌倉時代の彫刻の宝物を生み出したアーティストに多くの時間を費やしています。強くお勧めします。 1974年第1版。ISBN0-8348-1017-4。アマゾンで購入。

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ガネーシャ卿は日本の歓喜天です

ガネーシャまたは歓喜天は、真言宗の天台宗の神です。毘沙門歓喜天(男性&#038女性抱擁形)、邪悪な毘沙門、サラスワティ(弁財天)、ビシャモンテン(クベーラ)などの背後にある伝説。
彼はガネーシャの日本仏教の形態であり、時には菩薩と同一視されます 観世音菩薩 (助けを必要とする衆生の叫びに耳を傾ける人)。
歓喜天は、歓喜天(神またはデヴァを意味する)、庄天(聖天、&#8216)としても知られています。神聖な神&#8216または&#8216高貴な神&#8217)、大小天(&#8216偉大な高貴な神&#8216)、大聖歓喜天(大聖歓喜天)、天男(天尊、&#8216)由緒ある神&#8216)、Kangi Jizai-ten(歓喜クライ天)、Shōden様、Vinayaka-tenまたはBinayaka-ten(毘那夜迦天)、Ganapatei(誐那缽底)、Zōbi-ten(象鼻天) 。
ガネーシャまたはビナヤカは常に トゥリヤ(तुरीय)スティティ、これは4番目の至福の心の状態です。
他の3つの状態は、目覚めている意識、夢を見ている、夢のない睡眠です。これらは通常、一般的な意識状態であり、Turiyaはこれらの3つの状態を超越しています。
これは歓喜天と一致します 至福の神.
GaṇabachiまたはGaṇapati(Ganapatiはガネーシャの人気のある形容詞)およびGaṇwha(ガネーシャ)としても知られています。ガネーシャのように、ビナヤカは障害を取り除くものですが、傲慢になると、彼は物質的な幸運、繁栄、成功、そして健康を授けます。

日本の歓喜天の歴史

歓喜天は、真言宗の創始者である空海(774–835)の影響を受けて、西暦8〜9世紀に日本の仏教のパンテオンで最初に小さな神として登場しました。ヒンドゥーガネーシャのアイコンは中国に渡り、そこで仏教に取り入れられ、さらに日本に渡りました。
真言宗における歓喜天の初期の役割は、仏教に同化した他のほとんどのヒンドゥー教の神々と同様に、双子の曼荼羅のマイナーな保護者です。その後、歓喜天は独立した神であるベッソンとして登場しました。歓喜天は、平安時代(794–1185)に編集された多くの日本のベッソンガイドに登場します。初期の中国のテキストのような儀式や図像の形式が含まれていますが、ヒンドゥーガネーシャの仏教の性質を正当化するために神の起源神話を紹介しています。
初期の画像は、彼が2本または6本の腕を持っていることを示しています。平安時代後期、チベット仏教のタントラの影響を受けて、そのような性的イメージ(ヤブユム)が一般的であった二重歓喜天の絵画と金銅のイメージが現れました。儒教の倫理を守るために、珍しい日本の性的な図像は世間の目から隠されていました。
歓喜天は真言宗の重要な神になりました。

男性と女性の形を合わせた総歓喜天

歓喜天と呼ばれる二重歓喜天(&#8220二重の至福の神)は、真言宗のユニークな特徴です。とも呼ばれます 歓喜天夜香 日本語で、 クアンシテン 中国語と ナンディケシュヴァラ (ナンディではない)サンスクリット語。
象の頭のオスとメスのペアとして表され、お互いを抱きしめながら立っています。
ペアの性別は明確ではありませんが、図像で示唆されています。女性は王冠、パッチを当てた僧侶のローブ、赤いサープリスを身に着け、男性は肩に黒い布を身に着けています。彼は長い幹と牙を持っていますが、彼女は短いものを持っています。彼は赤褐色で、彼女は白です。彼女は通常、彼に足を乗せ、彼は頭を肩に乗せます。
この男性+女性の歓喜天の形態の始まりについての具体的な証拠はありません。それは、中国の密教に関連する中国語のテキストで最初に発見されました。 大日如来 そして3人の偉大なマスターによって広められました Śubhakarasiṃha、Vajrabodhi、 と 不空金剛。 NS Dharanisamuccya 僧侶が中国語に翻訳 アティグプタ(アティクタ) 654年にCEは、デュアル歓喜天を崇拝する儀式について説明しています。同じ儀式は、アモガヴァジュラ(705–774)によって彼の儀式テキスト「大歓喜天木総信びなやかほ」で複製されました。不空金剛は、歓喜天をデーヴァと表現し、歓喜天は自分の欲望と、悪と災難からの保護者であるトレイアカを授けます。デュアル歓喜天と六腕の歓喜天を支持するための儀式とマントラについて詳しく説明しています。 Amoghavajraによる別のテキストでは、SoshinKangitenは 菩薩.

歓喜天をなだめる儀式は、王権、繁栄、十分な食料と衣服という3つの重要なものを獲得するために説明されています。テキストは特にワイン、&#8220を規定しています至福の水歓喜天への供物として&#8221。
テキストのŚubhakarasiṃha(8世紀初頭)、Amoghavajraより前の日付ですが、cで構成されたAtiguptaの日付後の日付です。 723-36は、歓喜天をシヴァと同一視し、ヒンドゥー教の王ヴィナヤカを観世音菩薩(観音)と関連付けます。
二重歓喜天はまた、配偶者とのガネーシャのヒンドゥータントラ描写によるものかもしれません。

日本の邪悪なヴィナヤカの伝説

ヴィナヤカの邪悪な性質についての物語を語る日本の仏教の規範はたくさんあります。 NS カンギソシンクヨホ Śubhakarasiṃhaの初期の中国のテキストは、ビナヤカ王(ビナヤカ)がウマ(hi)(パールヴァテ​​ィー、ガネーシャの母)とマヘスワラ(シヴァ)、ガネーシャの父の息子であったと述べています。ウマは、左からビナヤカ(ビナヤカ)が率いる多くの邪悪なビナヤカと、右からアヴァロキテシュバラの顕現が率いる慈悲深い善良なホストから1500人の子供を生み出します–セナナヤカ([神々の]軍の主、特定されたヒンドゥー教の戦争の神と スカンダ、ガネーシャの兄弟)、ビナヤカのアンチテーゼ。セナナヤカは、彼を倒すために兄(ヒンドゥーの伝統のように)またはヴィニャナカの妻として多くの出生をしました。それから、Śubhakarasiṃha&#8217sのテキストは、妻として、セナナヤカがビナヤカを抱きしめ、デュアル歓喜天のアイコンにつながると述べています。日本のパンテオンでは、歓喜天はスカンダと同一視されているアイダテンの兄弟と見なされています。

別の伝説では、マラケイラの王は牛肉と大根しか食べなかったと語っています。これらがまれになると、彼は人間の死体を食べ始め、最終的には生き物を食べ始め、ヴィナヤカの軍隊を指揮した偉大な悪魔王ヴィナヤカに変わりました。人々はアヴァロキテシュヴァラに祈りました。アヴァロキテシュヴァラは女性のヴィナヤカの形をとり、ヴィナヤカを誘惑し、彼を喜び(カンギ)で満たしました。このように、彼は彼女と一緒になって、二重歓喜天になりました。

九光全書によると、マヘシュバラの配偶者であるザイジザイには、邪悪で暴力的な性格のために天国から追放された松天という息子がいたという。グンダリ(クンダリ)という美しい女神は、ひどい悪魔の形をとり、ショテンと結婚し、彼を良い道へと導きました。別の物語は、歓喜天が天から追い出されたマヘシュバラの邪悪な娘であったことを物語っています。彼女はビナヤカ山に避難し、仲間の男性ビナヤカと結婚し、その結果、歓喜天のアイコンが生まれました。
デュアル歓喜天の伝説の日本の変種は、ヴィナヤカ(男性)とヴァイナヤキ(女性)の結合が邪悪な障害物の作成者を改革された個人に変えることを強調しています。
この物語の背後にある考えは、ガネーシャとクンダリ(私たちの体に存在するヨギックパワー)との関係を示しています。
このクンダリまたはクンダリーニは私たちの静かなエネルギーとして存在します ムーラダーラチャクラ (背骨の下端、尾骨の下)眠っている間に体幹を折りたたんだ象の形。
これが、ガネーシュ(象徴的な神)がムーラマントラで瞑想され、ムーラダーラでクンダリーニを目覚めさせる理由です。

歓喜天は日本の他の神々と一緒に崇拝します

歓喜天は大きな力に恵まれていると考えられています。歓喜天は寺院の守護者と見なされており、ギャンブラー、俳優、芸者、そして&#8220のビジネスの人々によって一般的に崇拝されています喜び&#8220。マントラは、神をなだめ、さらにはこの障害物を追い払うために、儀式のテキストでしばしば規定されています。酒、大根、&#8220至福のまん&#8221(かんぎだん)が神様に捧げられます。
生駒山の頂上にある寶山寺は、彼の最も重要で活発な寺院です。寺院は6世紀に創建されたと考えられていますが、17世紀に平安時代の大曼荼羅(平安時代)の大曼荼羅が二重の金銅像を作ったときに脚光を浴びました。歓喜天、魅力の中心。元禄時代(1688〜 1704年)、大阪の商人、特に植物油の売り手が歓喜天のカルトに加わり、歓喜天の崇拝に成功をもたらしました。

大聖院または大聖院(大聖院?)は、弁財天(サラスワティ)、歓喜天(ガナパティ)、毘沙門天(毘沙門天、毘沙門天、毘沙門天、クベーラ)が一緒にある歴史的な日本の寺院群です。


日本のギルトブロンズクラウン-歴史

ロレンツォ・ギベルティ(イタリア語、1378&ndash1455)。 ヤコブとエサウのパネル、 から パラダイスの門、 1425&ndash52。ギルトブロンズ。ドゥオーモ美術館のコレクション。画像提供:Opificio delle Pietre Dure、フィレンツェ。


前書き
25年以上後、ロレンツォギベルティの保護 パラダイスの門 完成間近です。展示会 「楽園の門」:ロレンツォ・ギベルティのルネッサンスの傑作 フィレンツェのドゥオーモ美術館に恒久的に設置される前に、旧約聖書の主題のブロンズドアの有名な物語のレリーフの3つと、ドアフレームからの4つの追加セクションを見る前例のない機会を提供します。また、製作プロセスへの洞察やギベルティの画像と技術の進化など、修復中に行われた重要な新しい発見も明らかにしています。

15世紀半ばに作成され、洗礼堂の東のポータルに設置されました。 パラダイスの門 旧約聖書の場面を説得力のある描写で表現したことで、何世代にもわたる芸術家や美術史家から賞賛されてきました。時が経つにつれて、高さ17フィート、3トンのブロンズのドアは、ルネサンス美術の象徴となり、フィレンツェの市民生活と宗教生活の試金石となりました。この展覧会では、左ドアから3枚のパネルを展示します。 パラダイスの門、アダムとイブ、ヤコブとエサウ、デビッドとゴリアテの物語を描いています。この展覧会には、戸枠からの人物や預言者の頭も含まれ、アートインスティテュートの常設コレクションの作品を使用して、ギベルティのキャリアの中でフィレンツェとシエナの芸術の進化する性質を探ります。


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NS パラダイスの門 パネル—コンテンツとスタイル
1425年、ロレンツォギベルティは、フィレンツェの洗礼堂用に2組目のブロンズドアの設計を依頼されました。彼は27年間この仕事に取り組み、ミケランジェロがその驚くべき美しさと壮大さで「パラダイスの門になるのに本当にふさわしい」と呼んだ傑作を作り上げました。パネルは、ギベルティの芸術的天才と彼の革新的な遠近法の使用についての一貫したビジョンを視聴者に提供します。もともと パラダイスの門 以前の洗礼堂の扉のセットと同様に、28枚の形象パネルが必要でしたが、この計画は10枚のパネルに縮小されました。これは、おそらくギベルティの美的判断に影響された決定です。

NS アダムとイブのパネル ドアに関するギベルティの初期の作品を記録し、天使のホストによって設定された風景の中の裸体の見事な描写を特徴としています。ギベルティは、アダムとイブの物語からの4つの主要なエピソードをこの調和のとれたパネルにまとめました。左端の前景に示されているアダムの創造は、アダムが半意識の状態にあり、神の命を与えるタッチに応じて上昇していることを示しています。中央では、天使たちが見ているように、神はアダムの肋骨の1つからイブを形成します。蛇によるアダムとイブの誘惑は左側の背景に示され、パネルの右側はエデンからの夫婦の追放を表しています。数字のスケールの微妙な変化は、創造の物語の離散的なエピソードを補強します。ギベルティは、天使の投影のスケールと程度を調整して、4つのシーンを視覚的に分離しました。

の中に ヤコブとエサウのパネル、ギベルティは、物語を構築するために線形遠近法の新しいシステムを採用しました。彼は、ルネッサンスのロッジアの中央アーチに囲まれた消失点の周りに物語のエピソードを配置しました。このパネルは、ほぼ3次元の前景の図、科学的な視点の巧みな使用、印象的な建築で、アーティストがフィレンツェのイリュージョニスティックとストーリーテリングの先駆者であったことを示しています。パネルでは、ヤコブは兄のエサウの生得権と父親のイサクの祝福を得て、イスラエル人の創設者になりました。 Rebekahは、左端のアーケードの下で双子を出産しているところが示されています。右上の屋上で、ギベルティは息子たちの将来の紛争の予言を受けている彼女を描いた。

中央のアーチの内側に囲まれたエサウは、長子としての権利をヤコブに売ります。ヤコブは、空腹の兄弟に一杯のスープを提供します。パネルの正面中央で、アイザックはエサウの狩猟を送り、右手前で、ヤコブは盲目のアイザックの前にひざまずきます。長男。

デビッドパネル、ギベルティは、巨大なゴリアテに対する若いダビデの勝利を説明しました。デビッドは、石で倒した後、前景で巨人の頭を切り落としているところを示しています。このエピソードの上で、サウル王は、戦いのイスラエル人とペリシテ人の上にはっきりとラベルを付けられて昇格し、敵の敗走で彼の軍隊を率いています。向こうの山の裂け目は、エルサレムに向かって勝利を収めてゴリアテの頭を運んでいるダビデと彼の追随者を明らかにします。

ギベルティの影響
ギベルティは、彼の2番目の洗礼堂の扉のセットで、人間の姿と視点への新しいアプローチを確立し、彼の芸術的な同時代人に大きな影響を与えました。バルトロメオディジョバンニの バプテスマの聖ヨハネの生涯の場面 アートインスティテュートの常設コレクションから、ギベルティの物語スタイルの長引く影響が示されています。 ヤコブとエサウのパネル。ギベルティの影響は、内部空間のオープンビューと、構成全体に分散された個別の人物のグループに明らかであり、それぞれが物語の異なる部分を物語っています。


作る パラダイスの門
ルネッサンス時代、青銅は大理石よりもはるかに高価であり、工業鋳造以前の時代には重大な技術的困難をもたらしました。ギベルティは パラダイスの門 ロストワックス鋳造として知られている技術を使用します。粘土またはワックスで図面とスケッチモデルを作成した後、彼はレリーフのすべてのコンポーネントの実物大の詳細なワックス表現を準備しました。 (一部の科学者や学者は、彼がレリーフをワックスで直接モデル化したと信じています。他の人は、彼が別の材料で初期モデルを作成し、次に間接ワックスキャストを作成したと提案しています。)ギベルティと彼のアシスタントがモデルを完成させたとき、彼らは分岐パターンでワックスロッドを追加しましたその後ろに。次に、レリーフ全体を粘土などの耐火材料で覆い、ワックスが溶けるまで加熱して、中空の型を残しました。ロッドが占めていたスペースは、ブロンズがレリーフの表面に到達するためのスプルー(チャネル)として機能しました。スプルーは鋳造後にレリーフから切り取られましたが、各パネルの背面にはまだ残っています。

ギベルティの作品は、ブロンズを型から取り出したとき、半分しか完成していませんでした。彼はまだ、時間のかかる退屈な追跡作業、つまり、レリーフをハンマーで叩き、彫り、切り込み、磨く作業を完了する必要がありました。金細工職人としての彼の訓練を利用して、彼は金属の表面の細部をきれいにしそして強化することで彼の多くの助手を指示しました。

ギベルティは、当時の他の青銅よりも鋳造がやや困難であったが、金メッキを非常に受け入れやすい青銅合金を使用していました。彼は金粉と水銀を混ぜ合わせ、各レリーフの前面にその混合物を塗りました。彼の筆運びのいくつかはまだ見えていますが、ほとんどの場合、彼は空気と雰囲気を示唆する滑らかで明るい表面を作成することに成功しました。金をブロンズに付着させるために、ギベルティは各レリーフを加熱して水銀を燃焼させ、金だけを残しました。これは、もはや使用されていない有毒で危険なプロセスでした。


預言者の姿と頭
のナラティブパネル パラダイスの門 ニッチの一連の20人の預言者と24人の突き出た頭が交互に並んでいます。のような立っている人物 ニッチの預言者の復元された図 旧約聖書の預言者、ヒロイン、シビュラを表しており、一般的にキリストの誕生を予告したとされています。頭はまた、のように、預言者を描いています 復元された預言者の頭 しかし、父親の死後も家族のワークショップを続けたギベルティと息子のヴィットリオの肖像画も含まれています。ドアフレームの要素は、物語のパネルの主要なテーマを増幅し、ギベルティの芸術的な創意工夫の別の例として機能します。展示では、戸枠から取り出された2人の頭と2人の預言者が展示されています。一方のセットはクリーニングされており、もう一方のセットはクリーニングされていません。各セットのコントラストは、ギベルティの傑作の明快さと詳細を復元する際の保存の影響を言葉よりもはるかによく示しています。


保全
保存する前に、 パラダイスの門 展示会で展示されていた未処理のパネルに見られるように、外観を損なう損傷を与える付着物で覆われていました。金のひびや引っかき傷も、汚染物質が金メッキと青銅の間に浸透することを可能にしました。結果として生じる金メッキの背後の湿気と塩の蓄積は、金メッキを泡立たせる反応を引き起こし、表面全体の完全性を危険にさらしました。

1966年11月4日にアルノ川がフィレンツェに氾濫したとき、6枚の救援パネルがドアから押し出されて保全作業が始まりました。これらのパネルはロシェル塩と蒸留水の溶液に浸され、表面の付着物がすべて溶解しました。その後、保護は残りのレリーフにまで拡大されましたが、装飾的な枠組みからそれらを緩和するのに5年かかりました。フレーム全体は、1990年に洗礼堂から最終的に削除されました。 パラダイスの門 インストールされました。それ以来、レーザー技術により、科学者や修復家は残りのパネルの革新的な新しい洗浄技術を開発することができました。このプロセスは、展示会に付随するビデオで説明されています。


初期韓国の参考書

韓国の芸術と考古学の辞書
ロデリック・ウィットフィールド(編集長)
ホリーム、2004年

352pp。110mmX182mm、ソフトカバー。
ISBN:1-56591-201-2

この出版物は、韓国の文化遺産に関心を持つ外国人の間で韓国の文化と芸術のより広い理解を促進し、文化的人工物に使用される用語の英語の定義と説明を提供することによって学術研究を支援することを目指しています。この辞書の2,824のエントリは、考古学、建築、美術史、民間伝承の4つの主要なカテゴリに分類されます。それらは、フィールドの分類なしで、韓国語のアルファベット順にリストされています。

Early Korea Project、CGIS South Building Room S224、1730 Cambridge Street、Cambridge、MA02138。
電話:(617)496-3403ファックス:(617)495-9976


パターン

  • 1日センターロータス
  • 2位。 6ドラゴンスパイラルパターン
  • 3位。ディスクパターン
  • 4rh。パルメット
  • 5日。炎と塔

ロータスと6匹のドラゴン

ハローのミラーとフォーマット

パルメット

7〜8世紀の日本の古代美術では、しばしばパルメットが使用されますが、これは厳密で比類のないパターンです。パルメットはヘレニズムの起源を持っていますが、朝鮮半島から直接移動した可能性があります。このコグリオ(北朝鮮)の墓(西暦600年頃)のフレスコ画には、最も近いパルメットがあります。平壌近くのナイリ第1墓です。これは、多くの中国の石の洞窟飾りのパルメットよりも似ています。

現代の同様のハロー

タワーとロータススートラ

5番目のバンドの上部には、3つのポールを持つタワー/パビリオンが刻まれています。この奇妙な塔を持っている別の例があります。右の図は、奈良の長谷寺にある青銅製のレリーフプレートです。それはAD686で日付が付けられました。高さ91cm。 Lotus Sutra(Suddharma Pundharika Sutra)の第12章のシーンです。塔は地球から現れ、古代の仏陀(本物の仏陀よりずっと前に教えていた)は塔から現代の仏陀を賞賛しています。このドラマチックなシーンは中国人の間で非常に人気があるため、多くの塔の画像が作成されました。

そのような塔は、ヨンカン洞窟6世紀(西暦5世紀)にも見られます。このレリーフはブロンズプレートと同じです。北天魏時代には、仏像のある塔を持つ小さな金銅の像が数多く残っていました。これらの例では、ハローの塔の画像はロータススートラの塔である必要があると思います。

ハローの炎

5番目のバンドは、強くてリズミカルな炎のパターンを表しています。以前の金色のブロンズハローはそれが好きですが、これはより鋭いです。
5〜6世紀の中国の炎のパターンの2つの例を示します。この金銅像(図13)Ref。 1987年まで日本にいて、高さ44cmの台北国立故宮博物院にあります。約AD480-490。ノッテン・ウェイの金銅像の代表的な傑作の1つ。このフレームパターンは、木製のハローに合うほど強力ですが、スタイルが異なります。少し長方形。他の小さな金色の銅像(図14)は東京国立博物館にあります。これは西暦542年のAvalokitisvaraです。東魏王朝。このカーリングフレームパターンは、5番目のバンドが好きです。法隆寺像が作られるべきだった7世紀初頭に西暦542年が近いのはそのためです。

5〜7世紀の炎模様ハローの意味。

炎のパターンは、中国の5〜8世紀の仏教のイメージからのハローの一般的なものです。法隆寺の光輪はそのような傾向を引き継いでいます。そのNorthenWeiの金箔のブロンズ像は典型的な例です。

彼らは実際に火の炎を意味しますか?神聖なイメージが燃えているのは不思議です。確かに、怒りと力を表す神々は、8世紀以降、火の炎のハローを持っていました。それはかなりのものですが、静かで瞑想的なイメージも燃えています。

仮説を立てたい。これは、古代中国人が「気」と呼び、雲の模様として表現したエネルギーの爆発/爆発である可能性があると思います。西暦3世紀以前---紀元前4世紀中国の古代の神々はしばしばそのようなエネルギー雲を伴います。例として、青銅のワイン容器の蓋の裏にあるこの絵。精力的な雲の中の神聖な鳥を示しています。この概念は、聖人のイメージがエネルギーフレアを放出するはずであるという5-8世紀の中国人の自然な感覚を持っていました。

パリのギメ東洋美術館にあるガンダーラの彫刻は、炎を上向きに、水を下向きに噴き出します。このようなアイコンは、ハローでフレームパターンを描くきっかけになった可能性がありますが、5〜8世紀の中国人に非常に人気があった理由ではありません。さらに、ハローの炎の画像はインドではまれです。


写真で:ミスユニバースの王冠は何年にもわたって

1月30日月曜日、マニラのモールオブアジアアリーナで、非常に幸運な女性が第65回ミスユニバースに選ばれます。彼女はミスユニバース2015ピアウォルツバックが自信を持って昨年遂行した仕事を引き継ぎます。特典の1つは、一流のミスユニバースの王冠を身に着けることの特権です。

ロマノフ帝国の婚姻王冠

1952年のページェントの開始以来、美人コンテストの王族が着用した9種類の王冠があります。使用された最初のミスユニバースの王冠は、実際には王族からのものでした。フィンランドのアルミ・クーセラが勝利したとき、以前はロシアの皇帝が所有していたロマノフ帝国の婚姻王冠が使用されました。約1,535個の完璧なダイヤモンドで作られていると考えられています。皮肉なことに、婚姻の冠は「ミス」を称えるために使用されました。

ファーストミスユニバース。フィンランドのアルミクーセラは1952年のミスユニバースでした

ミスユニバース組織からの写真

メタリックブロンズクラウン

ミスユニバース1953年。フランスのクリスティアンマルテルが裁判官のジェフチャンドラーとポーズをとる。

ミスユニバース組織からの写真

翌年、ミスユニバースの王冠は金属製のブロンズの王冠に置き換えられました。フランスのクリスティアンマルテルは1953年にミスユニバースになり、このデザインを着用した唯一の勝者でした。 It is probably the most unusual of all the crowns because it featured a very solid design and did not feature crystals or rhinestones unlike the other crowns.

Star of the Universe

Miriam Stevenson, Miss USA 1954, from South Carolina, was the first Miss USA to become Miss Universe. She was also the first titleholder to obtain a college degree while holding the title.

Photo from Miss Universe Organization

From 1954 to 1960, the design known as the Star of the Universe became the Miss Universe crown. It "consisted of approximately 1,000 Oriental cultured and black pearls set in solid gold and platinum," with a weight of 1.25 pounds. It is said to be valued at $500,000.

The rhinestone crown

MISS UNIVERSE 1961. Marlene Schmidt, the first Miss Universe from Germany, won her title in Miami Beach, Florida

Photo from Miss Universe Organization

MISS UNIVERSE 1962. Argentina's Norma Nolan poses for an official photo. Each Miss Universe will be featured in thousands of photos during her reign and will sign just as many autographs.

Photo from Miss Universe Organization

In 1961, the Miss Universe Organization wanted to have a special crown to commemorate its 10th anniversary. It was the first time that a rhinestone crown was introduced and Marlene Schmidt of Germany won. Marlene and her successor, Argentina's Norma Nolan, became the only two winners with the distinction of wearing the rhinestone crown.

The Sarah Coventry crown

MISS UNIVERSE 1963. Brazil's Ieda Maria Vargas takes her walk after winning the title.

Photo from Miss Universe Organization

The year 1963 ushered in the pageant's most famous crown – the one designed by renowned jewelry maker Sarah Coventry. Ieda Maria Vargas of Brazil, Miss Universe 1963, had the privilege of being the first winner to use this crown. The Philippines' Gloria Diaz, Miss Universe 1969, also wore this during her reign. The last winner to wear the Sarah Coventry crown was Miss Universe 2001, Denise Quiñones of Puerto Rico.

Many pageant fans were very upset upon finding out that the much-loved crown would be replaced. It ended the era of tradition and ushered in the crown sponsorship years and more frequent crown changes.

MUCH-LOVED CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones wearing the Sarah Coventry crown.

Photo from Miss Universe Organization

The Mikimoto Crown

Below is a photo of Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowning Miss Universe 2002 Oxana Federova. This picture clearly shows the two different crowns. It would be very rare to see this in future pageants because the outgoing queen no longer wears her crown during the crowning moment.

NEW CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowns 24-year-old Oxana Fedorova, of Russia, as Miss Universe 2002.

Photo from Miss Universe Organization

"The Miss Universe crown used from 2002–2007 was designed by Mikimoto, the official jewelry sponsor of the Miss Universe Organization, and depicted the phoenix rising, signifying status, power, and beauty. The crown has 500 diamonds of almost 30 carats (6.0 g), 120 South Sea and Akoya pearls, ranging in size from 3 to 18 mm diameter and is valued at $250,000. The Crown was designed specifically for the pageant on Mikimoto Pearl Island in Japan with the Mikimoto crown and tiara being first used for Miss Universe 2002. The crown has an accompaniment of a tiara which will be given to the winner after her reign."

Although the crown was very beautifully designed, some pageant fans were quick to speculate that switching to it brought bad luck. Several months after being crowned with the new Mikimoto crown, Federova became the first Miss Universe titleholder to be dethroned.


A brief guide to buttons

We often dismiss buttons as a clothing sideshow – the work horses of the accessories world. But early buttons were in fact more akin to jewellery than the modern-day fastenings we’re familiar with.

At 5,000 years old, an ornamental button made from shell, and found in Pakistan is currently considered to be the oldest button in existence. Other early buttons were made out of materials including bone, horn, bronze and wood.

Later, buttons took on more practical duties. In ancient Rome buttons were used to secure clothes, some having to support reams of fabric at a single point. But they were still a far cry from the slim, functional buttons you’re familiar with on your shirts and suits.

The Middle Ages: the invention of buttonholes

Image source: Shutterstock
Buttonholes didn’t make their first appearance until the 13th century

Buttons being used as clothing fasteners continued for centuries. But it wasn’t until the 13th century that proper buttonholes were being sewn into clothes, and with them, new possibilities for clothing arose.

Buttons with actual buttonholes rather than looser toggles meant that clothes could have a much more form-fitting shape.

For all their prominence, buttons were still largely the privilege of the wealthy during this period. In the medieval era, buttons meant serious wealth – for both the wearer and the maker.

Many buttons were made with precious metals and costly fabrics, and as Slate points out, this era was

a time when you could pay off a debt by plucking a precious button from your suit.”

Towards the Renaissance, some larger buttons took on additional functions they were used to hide keepsakes and stolen booty in small hidden chambers.

産業革命

Image source: Hugh McCormick Smith / Public domain
The inside of a busy button factory around the turn of the 19th century.

Of course, the less wealthy had buttons, too. These tended to be crudely made at home, until the Industrial Revolution, which ushered in the democratisation of buttons.

Around this time, the flat, four-holed button that we’re all familiar with emerged. Although the materials used have developed and the process refined since then it is still essentially the same button. This period also saw a rise in popularity for brass buttons on both military and civilian clothing.

The most popular buttons of the later half of the 19th century were made of black glass an imitation of Queen Victoria’s habit of wearing black buttons following the death of Prince Albert. With her loyal subjects adopting her style, black glass fasteners became the most widespread variety of the 19th century.

Modern Buttons

Image source: Grey Fox
Leather buttons – sometimes called “football buttons” after old-school leather footballs.

20th century designers and fashionistas flipped the original decorative use of buttons on its head: they became working accessories. Mass-production and materials like plastic made them prevalent, despite the invention of zipper.

That doesn’t mean modern buttons can’t still pack a decorative punch. Advances in technology mean that teddy bear-shaped buttons for children’s clothes can be as easily made as more conservative, stylish buttons for a suit.

Today, buttons are, once again, a good indicator of quality clothing. With more choice on the market, traditional buttons are making a resurgence. As Permanent Style notes:

“English tailors prefer matte, horn buttons… The natural materials are, of course, also associated with better suits.”

Another button-based sign of distinction is a jacket sleeve with working cuff buttons, as seen on our own classic tweed jacket.

There are even rules about buttons there’s a rule relating to the correct way to button a suit jacket, for example. Edward VII was a portly king who couldn’t close his jacket all the way and Real Men Real Style explains:

“…as a result always left the bottom button undone. His subjects (either out of respect or fear), followed suit. The trend of leaving the bottom button undone caught on.”

Buttons as symbols

While ornate buttons aren’t the sole preserve of kings and aristocrats any more, they still serve as symbols of rank on military dress. Military expert, Kelly Badge, points out:

“buttons are as varied as cap badges. Each unit has its own unique regimental button, often with a crest and sometimes a crown,”

Such buttons can have meaning well beyond power and status. During World War II, a British soldier encountered a 12-year-old Jewish boy and his family fleeing from the Nazis. He pulled a button off his greatcoat to give the boy and advised them to go south through France, rather than towards Dunkirk.

The family eventually made their way to America where the button now sits in the collection of the United States Holocaust Memorial Museum.

Buttons have proven to be firmly fastened to the fabric of human society – at least the past five thousand years of it. Even with the development of zippers, poppers and velcro, buttons are still the fastening of choice for people the world over.

If you’ve still got burning button questions, check out our buttons infographic!

So are you a button man, or do you prefer the simplicity of the zip? Do you have any old buttons knocking around – perhaps some historical military ones? Share them with us on our Facebook page.


The 6,000-year-old Crown found in Dead Sea Cave

The oldest known crown in the world, which was famously discovered in 1961 as part of the Nahal Mishmar Hoard, along with numerous other treasured artifacts, was recently revealed in New York University's Institute for the Study of the Ancient World as part of the 'Masters of Fire: Copper Age Art from Israel' exhibit.

The ancient crown dates back to the Copper Age between 4000–3500 BC, and is just one out of more than 400 artifacts that were recovered in a cave in the Judean Desert near the Dead Sea more than half a century ago. The crown is shaped like a thick ring and features vultures and doors protruding from the top. It is believed that it played a part in burial ceremonies for people of importance at the time.

New York University wrote: “An object of enormous power and prestige, the blackened, raggedly cast copper crown from the Nahal Mishmar Hoard greets the visitor to Masters of Fire. The enigmatic protuberances along its rim of vultures and building façades with squarish apertures, and its cylindrical shape, suggest links to the burial practices of the time.”

The Nahal Mishmar Hoard was found by archaeologist Pessah Bar-Adon hidden in a natural crevice and wrapped in a straw mat in a cave on the northern side of Nahal Mishmar, which became known as the ‘Cave of Treasures’. The 442 prized artifacts made from copper, bronze, ivory, and stone, include 240 mace heads, 100 sceptres, 5 crowns, powder horns, tools and weapons.

Some of the items from the Nahal Mishmar Hoard. Credit: John Bedell.

Carbon-14 dating of the reed mat in which the objects were wrapped suggests that it dates to at least 3500 B.C. It was in this period that the use of copper became widespread throughout the Levant, attesting to considerable technological developments that parallel major social advances in the region.

Some of these objects are like nothing ever seen anywhere else. The round knobs are usually said to be mace heads, but there is no evidence that any of them were ever used in combat. The remaining objects are even more unusual and unique in style, such as the bronze sceptre depicted below.

Bronze sceptre from the Nahal Mishmar Hoard. Displayed at the Hecht Museum in Haifa. Credit: John Bedell.

The objects in the Nahal Mishmar hoard appear to have been hurriedly collected, leading to the suggestions that the artifacts were the sacred treasures belonging to the abandoned Chalcolithic Temple of Ein Gedi, some twelve kilometres away, which may have been hidden in the cave during a time of emergency.

Chalcolithic Temple above modern Kibbutz Ein Gedi.写真提供者:ウィキペディア

Daniel Master, Professor of Archaeology at Wheaton College and a member of the curatorial team, said: “The fascinating thing about this period is that a burst of innovation defined the technologies of the ancient world for thousands of years.”

Jennifer Chi, ISAW Exhibitions Director and Chief Curator, added: “To the modern eye, it's stunning to see how these groups of people, already mastering so many new social systems and technologies, still had the ability to create objects of enduring artistic interest.”

The purpose and origin of the hoard remains a mystery.

Featured image: The oldest crown in the world, found in the Nahal Mishmar Hoard. ( Wikimedia).


How to Tell Fake Bronze in Sculptures

Ancient bronze sculptures and statuary are often worth large sums of money -- and wherever there's money, there's crime. An industry of forgery has sprung up to take advantage of the profits that can be reaped from selling fake bronze statues. Often made of resin or less valuable metals, fake bronzes will usually be given an artificial patina, imitating the genuine effect of aging on the surface of the metal. If you know what to look for, however, you can usually tell a fake from the real deal simply by using your powers of observation.

Check the price tag. If the statue looks like a steal, it probably is -- but you're the victim. Suspiciously low prices are often an indicator of shifty business.

Examine the craftsmanship. Many imitation bronzes feature shoddy detail work and generally appear to be of secondary quality when looked at closely. If the artwork is subpar, the chances of the sculpture being a fake are significantly higher, not to mention the fact that you're probably being charged more than the item is worth.

Look at the patina on the surface of the statue. Bronze develops an uneven brown and greenish hue over time that is most noticeable on ancient works that have been excavated. Forgeries often try to mimic this, but usually the results are less than convincing. Many fakes give the skin of the subject a uniform brown coloring, with the clothing taking on a more green hue. No genuine bronze will look like that.

Tap the sculpture to see whether it is made of genuine metal. A resin imitation sounds noticeably different from a real bronze statue. If you're still unsure, hold a lit match to the surface of the statue for several seconds. A bronze will show no visible changes, but a resin will immediately begin to bubble, giving itself away.